Cubismo

Fernand Léger

(4 de febrero de 1881 – 17 de agosto de 1955). Pintor cubista francés.

 Nacido en Argentan, Normandía, en el seno de una familia campesina, quedó huérfano de padre antes de cumplir dos años. Recibió instrucción primero en la escuela de su pueblo natal, y después en un instituto religioso de Tinchebray.

Sus primeras obras datan de 1905 y son de clara influencia impresionista.

En 1907, al igual que otros pintores parisinos, queda profundamente impresionado por la retrospectiva de Cézanne. En este mismo año entra en contacto con el primer cubismo de Picasso y Braque.

Desde los primeros momentos, el cubismo de Léger se orienta hacia el desarrollo de la iconografía de la máquina.

Analisis de obra

Desnudos en el bosque 1909-1910. Fernand Leger

Desnudos en el bosque (1909-1910), inspirado posiblemente en el cuadro de Picasso de 1908 del mismo título, convierte el tema en una habitación llena de artefactos y robots, donde parece apartarse de la férrea doctrina de Cézanne de pintar a partir del cilindro y el cono; la sobriedad de los colores, unida a la actividad frenética de los robots, crea una atmósfera simbólica de un mundo nuevo y deshumanizado. En algunos aspectos es una anticipación del futurismo italiano.

Caligramas

Guillaume Apollinaire

Pseudónimo de Wilhelm Albert Włodzimierz Apollinary de Wąż-Kostrowicki (Roma, 26 de agosto de 1880 – París, 9 de noviembre de 1918), fue un escritor francés.

Nacido francés , de origen polaco, pasó su infancia entre Roma, Mónaco (donde estudió) y París. Escritor de vida azarosa, desempeñó diversos empleos: en 1901 lo vemos viajando a Alemania, para sobrevivir, como preceptor de la hija de la vizcondesa de Milhau, durante un año.

En 1909 publicó su primer libro, El encantador en putrefacción, basado en la leyenda de Merlín y Viviana, al que siguieron una serie de relatos de contenido fabuloso. muere años después, víctima de la gripe española, cuando aún estaba convaleciente.

Stéphane Mallarmé

(París, 18 de marzo de 1842 – ibídem, 9 de septiembre de 1898) fue un poeta y crítico francés, uno de los grandes del siglo XIX, que representa la culminación y al mismo tiempo la superación del simbolismo francés. Fue antecedente claro de las vanguardias que marcarían los primeros años del siguiente siglo.

Bautizado con el nombre Etienne Mallarmé, al perder a su padre en 1849, fue tutelado por sus abuelos. La muerte de su hermana María le marcó profundamente. Estudió el bachillerato en Sens.

 El 8 de septiembre de 1898, sufrió un espasmo de faringe. Pidió a su ayudante y a su hija que destruyeran sus escritos, diciendo: «No hay herencia literaria ahí…». Por la mañana, murió.

 Vicente Huidobro

Vicente García-Huidobro Fernández (Santiago, Chile, 10 de enero de 1893 – Cartagena, Chile, 2 de enero de 1948), mayormente conocido como Vicente Huidobro, fue un poeta. Creador y exponente del creacionismo, es considerado uno de los 4 grandes de la poesía chilena.

Nace en el seno de una familia rica y con inquietudes culturales y en la que la madre era una activa feminista. Su padre, era el heredero del marquesado de Casa Real. Tras pasar sus primeros años en Europa, entró en el colegio jesuita San Ignacio A.O. en Santiago. Cursó estudios de literatura en la Universidad de Chile y publicó Ecos del alma en Santiago (1911), de tendencia modernista. Al año siguiente se casó y dirigió la revista Musa Joven, donde apareció parte de su libro posterior Canciones en la Noche y su primer caligrama, Triángulo armónico.

En 1913 dirige con Carlos Díaz Loyola (nombre real para Pablo de Rokha) los tres números de la revista Azul y publica los libros de poemas La Gruta del Silencio y Canciones en La Noche.

En 1917 colabora en la revista Nord-Sud dirigida por Pierre Reverdy junto a Guillaume Apollinaire, Tristan Tzara, Jean Cocteau, André Breton, Louis Aragón, Max Jacob y otros, hasta que una disputa con su director lo aleja de este medio.

 

La paloma apuñalada y el surtidor, Apollinaire

 Análisis de obra

El caligrama en estos tipos de poemas buscan dibujar la que el texto sugiere, de modo que se disponen las letras de tal manera que esta forman un dibujo, basándose en la forma elemental del texto a nivel semántica y de la estructura de la forma.

 Comentario

Una forma bastante interesante de hacer poesía, y de hecho llega a ser mas entretenido leerlo, aunque a simple vista no se pueda ver la figura, al momento de leer la poesia esta corrobora el tipo de figura que es.

 

Dadaismo

John Heartfield

 John Heartfield (Berlín, 9 de junio de 1891 – ídem, 26 de abril de 1968), artista alemán del período dadaísta, especializado en el fotomontaje.

Su nombre real era Helmut Herzfeld. Vivió una infancia poco común (fue abandonado por sus padres) y mostró desde muy pronto un raro talento artístico

Cada vez más implicado en el terreno del fotomontaje, trabajó en revistas ilustradas. Cuando el régimen de Hitler se estableció en Alemania, Heartfield huyó a Checoslovaquia. Fue durante el período de la Segunda Guerra Mundial cuando su trabajo resultó más productivo y más representativo de su personalidad como artista. La mayoría del arte de Heartfield es una crítica satírica al Tercer Reich, y en particular a la figura de Adolf Hitler (una de sus obras más conocidas es «Adolf, el superhombre, traga oro y vomita basura»). Asimismo, condenó el antisemitismo y la sociedad industrial capitalista. («El capitalismo les está robando su última pieza de pan», «La conquista de las máquinas»).

No volvió a su país natal hasta 1948 (a Leipzig, en la República Democrática Alemana). Fue durante la década de los cincuenta, y en Alemania del Este, cuando su obra fue realmente reconocida por el público.

Heartfield continuó en activo durante varios años, viajando regularmente a China (donde rodaría su primera película, una obra autobiográfica), y comisariando algunas exposiciones propias.

Adolf, el superhombre, traga oro y vomita basura» 17 de julio de 1932

Análisis de obra

Este fotomontaje fue ampliado a modo de cartel y pegado por todo Berlín en agosto de 1932. Esta crítica frontal, sin ambigüedades, era un acto temerario en la Alemania a principio de los treinta. Fotomontaje haciendo critica satirica a la figura de Hittler.

Comentario.

Sus fotomontajes hacían critica satírica al régimen nazi de Alemania, de hecho la época en que su trabajo se hizo mas productivo fue en esta, con sus obras se daba a entender la personalidad que tenia como artista.

Man Ray

(Filadelfia, 27 de agosto de 1890 – París; 18 de noviembre de 1976), artista estadounidense de origen judío ruso, nacido con el nombre de Emmanuel Rudzitsky.

 Empieza a pintar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica.

En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.

En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp.

Dos años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.

Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía.

Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

Hace objetos dadaístas como Object to dead be Destroyed de 1923, un metrónomo con la fotografía de un ojo agarrada a la aguja.

 En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.

Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte», dirá.

En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica (1973).

Muere el 18 de noviembre de 1976, en París.  

Cadeau, Man Ray

 

Análisis de Obra

Esta obra que formaría para el uno de sus “objetos predilectos”, denominación que reunían los objetos creados a lo largo de su vida y que tenían un sentido espacial para él. Objetos despojados de su función utilitaria, que a veces se vuelven agresivos, como en Cadeau o Objeto indestructible; El objeto abandona su olvido doméstico para pasar a una nueva existencia.

Lo importante para Man Ray era la creación, “estaba convencido de que sentarse frente a un tema era un impedimento para realizar una obra realmente creativa.”Dejaría de inspirarme en la naturaleza y me inclinaría prioritariamente hacia los objetos fabricados por el hombre…”

La plancha, el acto de planchar, la mujer, lo erótico, el sufrimiento-dolor, el trabajo. Todos estos elementos aparecen en esta obra de Man Ray.

Comentario:

Man Ray, toma actitudes completamente novedosas y nutritivas de la vida, explotando así todo su talento, que contemplan la naturaleza y los conceptos dejando atras el tema de un final, y siendo atraido por el flujo de las ideas y de algo que no existe aun. Ingenioso.

 George Grosz

 George Grosz (Berlín, Alemania, 26 de julio de 1893 – 6 de julio de 1959, cuyo nombre real era Georg Ehrenfried fue un pintor alemán

Entre 1909 y 1912 estudió en la Academia de Dresde, y entre 1912 y 1917 en la Academia de Artes y Oficios de Berlín (Kunstgewerbeschule). En 1913 se trasladó a París, ciudad en la que entró en contacto con las vanguardias, el cubismo y el futurismo. En estos años se desarrolló una importante evolución en su estilo pictórico, con una progresiva simplificación de las formas, en la que se notaba una gran influencia del cubismo y el futurismo, pero también del expresionismo, muy presente entre los jóvenes artistas alemanes de la época.

. Ese fue el estilo que tuvo la producción de Grosz en los años siguientes, caracterizados por su adhesión al movimiento dadá (alrededor de 1920). En esa época produjo su serie de dibujos conocida como Ecce Homo. Su producción artística de esa época se basaba en unos cimientos cubistas y futuristas mezclados con fuentes artísticas áulicas del pasado e iconografías populares.

Su duro estilo, a veces rayano en lo infantil y en lo pornográfico es muy adecuado para ilustrar gente miserable: prostitutas, borrachos, asesinos, soldados heridos. En esos dibujos hay una parte importantísima de crítica social que se enfrenta a la despiadada avidez de los burgueses y hombres de negocios vulgares, cuya miseria se oculta tras una capa de respetabilidad.

Las deformaciones debidas al expresionismo y su simplificación del dibujo infantil y de la imaginación popular confieren a su obra una cruda agudeza, mientras que los múltiples planos y efectos simultáneos de cubismo y futurismo le proporcionan análisis y precisiones particulares, formando una estructura a la vez exaltada y visionaria. Sus dibujos, muchos de los cuales están realizados con tinta o acuarela han contribuido notablemente a la imagen que muchas personas tienen de la Alemania de los años 1920.

Escribió en 1946 su autobiografía, que tituló A Little Yes and a Big No (Un pequeño sí y un gran no).

En 1958 regresó a vivir en Alemania. George Grosz murió en Berlín debido a una caída frente a su casa.

 

Suicidio 1916, George Groz

Análisis de la obra

El paisaje urbano como entorno, el color rojo y los personajes satirizados son parte de las obras de George Grosz. Por otra parte, en todas ellas aparece al menos una mujer desnuda o semidesnuda y un perro, y en todas ellas se pueden ver características expresionistas, cubistas y surrealistas. La temática es también común, pues se trata en todas ellas de escenas de calle con personajes que pasan, más numerosos en unos casos que en otros, y lo que sucede en esas escenas va de un aparente «nada sucede», pasando por un suicidio y un entierro multitudinario presidido por la Muerte, a la destrucción total de la ciudad mediante una explosión. Menos el suicidio y la explosión, todo lo demás está, como hemos visto, en la pintura que estamos analizando.

En el cuadro Suicidio 1916, en un cruce de calles, de calzada y aceras carmesíes, yace, resaltado por una alfombra rodeada de barandilla, casi como en un ring de boxeo, el cuerpo de un hombre que se acaba de pegar un tiro, quizá una metáfora de que ha sido vencido por la vida. El bastón aún asido por su mano izquierda, la pistola en el suelo cerca de la otra mano; a un lado el sombrero y un perro rojo, al otro una mancha de sangre en la que se ve una efigie sonriente, quizá el mismo suicida ya liberado. Un transeúnte, cuya cabeza se sale del cuadro, pasa deprisa, encorvado; otro, sin rostro, está parado junto a una farola y un tercero desaparece por el margen izquierdo. En el fondo hacia la derecha, una prostituta se asoma a su escaparate casi desnuda con una flor en la mano; su cliente, un anciano, está sentado detrás. Otro perro rojo dobla la esquina, seguido por alguien de quien sólo se ve asomar la mano y un poco el brazo derecho. Todos parecen ajenos al suceso principal: el suicidio.

Comentario

Dentro de las obras de George Grasz podemos encontrar y ver los problemas sociales que se suscitaban en su época y en su país, los cuales transmitía al público mediante imágenes que realzaban lo satírico, metafórico y social.

 

Constructivismo

El Lizzitski

Pseudónimo de Lazar Márkovich , 23 de noviembre de 1890 – 30 de diciembre de 1941. Fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Fue una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo junto a su amigo y mentor, Kazimir Malévich, y diseñó numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética. Se le considera uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo. Su obra influyó grandemente en los movimientos de la Bauhaus, el constructivismo, y De Stijl, y experimentó con técnicas de producción y recursos estilísticos que posteriormente dominaron el diseño gráfico del siglo XX. En español, su apellido también se ha transliterado como Lissitski, mientras que en inglés y otros idiomas se suele transliterar como Lissitzky. Murió el 30 de diciembre de 1941 en Moscú.

Tribuna de Lenin, 1920. El Lizzitsky

Análisis de obra

Es la obra mas destacada de El Lizzisky, la cual esta basada en el concepto de estabilidad de la estructura para expresar dinamismo y acercamiento a la sociedad a través de un elemento arquitectónico inclinado en el espacio.

Comentario

Para nuestra opinión el uso del fotomontaje es increíble al igual que el concepto de estabilidad ya que se la dio a un objeto inclinado, pero las figuras que utiliza en ellas son muy poco claras pero aun asi se da a entender que es un objeto arquitectónico

Roberto Matta

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, más conocido como Matta (Santiago de Chile, 11 de noviembre de 1911) fue un arquitecto, pintor, filósofo y poeta chileno. Considerado el último de los representantes del surrealismo.

Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre de 1911 (11.11.11), cifra que utilizaría con frecuencia en su carrera artística. Cursó sus estudios universitarios en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile, complementando sus estudios con trabajos relacionados al arte. Se destacó por su creatividad en sus estudios universitarios.

Luego de titularse de arquitecto, partió a Europa. En el viejo continente conoció a artistas de la talla de Salvador Dalí, René Magritte, André Breton y Le Corbusier.

Precisamente fue Breton quien estimuló al artista chileno, valorando su trabajo e introduciéndolo en el círculo de los principales miembros del movimiento surrealista de París. Matta produjo ilustraciones y artículos para el periódico surrealista Minotaure. Durante este período trabó amistad con prominentes artistas contemporáneos europeos como Picasso y Marcel Duchamp.

Un momento decisivo para la carrera artística de Matta se produce en 1938 cuando pasa del dibujo a la pintura en óleo, por la cual es muy famoso. El uso de patrones difusos de luz y gruesas líneas encima de un fondo particular se transformaría en uno de sus sellos característicos. Durante las décadas siguientes de los 40 y 50 su pintura reflejaría el perturbador estado de la política internacional, utilizando imágenes de máquinas eléctricas y personas atormentadas.

En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en 1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió regularmente desde la década de 1960 en la ciudad italiana de Civitavecchia, realizando viajes esporádicos a su país. Murió el 23 de noviembre de 2002.

Comentario personal

Carlos Tapia

Un hombre demasiado creativo, imaginativo y con un gran ego. Además de tener todas estas características fue un hombre que entrego cultura y arte a la sociedad chilena por el hecho de ser un vanguardista reconocido aquí en chile e internacionalmente. Dentro del arte en nuestro país aun sigue vivo y recordado por nuestra sociedad, por personajes y grupos artísticos inéditos de la historia, y que desde ya hace poco vuelven a resurgir, como por ejemplo el mono González (Muralista y Líder Brigada Ramona Parra), todos estos inspirados y ayudados por Roberto matta.

El matta matismo es una de las expresiones artísticas de matta que me llamaron mucho la atención ya que al transformar cualquier elemento (ej.: manchas, ralladuras, etc…) en arte y darles a estos un significado que el mismo veía en ellos era de lo mas original que he escuchado y que practicaba sin saber que ya existía este tipo de arte.

 David Vidal

 Lo considero un artista muy creativo, con ideas claras, muy innovador y un gran exponente en el arte. Se requiere ser muy abierto de mente para reconocer lo que hablan sus obras, ya que a simple vista no son entendibles.

La expresión artística que mas me llamo la intención fue el mattamatismo ya que , a mi parecer es donde mas juega con la creatividad, al darle significado a una mancha que nace de un derrame sin intervención..

Bastián Hidalgo

Para mi un hombre no muy talentoso en su tarzo pero un genio y valorado artista conceptual, una mente brillante abierta en sus 360º a todos los pasares de la vida, contemplando en sus obras elementos de la epoca, claros sean los problemas politicos, y su pensamiento, dejando claro no solo con su dibujo si no que con sus colores completamente vanguardistas, y nuevos para el epoca que son el fucsia y demas colores muy brillantes y que resaltan la importancia de la obra tratada.

Lo más llamativo para mi fue el Mattatismo, en donde juega un papel fundamental el surrealismo, una lluvia de ideas y conceptos variados, dentro de una obra, creando un sin fin de elementos, traducidos en un pensamiento, en donde se pueden interpretar de forma distinta pero de la forma mas rebuscaqda posible.

Feedy Valdivia

 A mi parecer Matta es un artista muy creativo, pero no obstante sus obras no son de mi gusto en su mayoría, ya que mata en sus obras utiliza conceptos que son expresados de manera demasiada abstracta. Para mi como diseñador me costo encontrarle  sentido a una gran parte de sus obras, sin embargo las formas son interesantes e innovadoras, los colores son de agrado y llamativos para la vista, sus obras tienen mucho sentimiento y movimiento, esto lo rescato principalmente por que hacen a este artista sobresalir del resto. Las otras obras que e gustaron fueron sus esculturas, ya que tenían un poco mas de forma y no eran tan abstractas.

Como conclusión de mi comentario lo que puedo decir es que Matta tiene obras  buenas y algunas no tanto a mi parecer, destacando sobre todo sus esculturan mas que todo por ser mas figurativas que sus pinturas.